Trailer "Requiem por un sueño"

"Esculpir en el tiempo" Tarkovsky. Cap."El tiempo sellado"

*El tiempo y el recuerdo están abiertos el uno para el otro, son dos caras de una misma moneda. Fura del tiempo no puede haber recuerdos.

*El recuerdo es un concepto interior. Una persona que pierde la memoria no tiene recuerdos, cae fuera del tiempo y pierde su capacidad de quedar vinculado al mundo visible (está condenado a la locura).

*El hombre está capacitado para el recuerdo lo que despierta en él, el sentimiento de su propia incapacidad. El recuerdo nos hace vulnerables, capaces de sufrir.

*Los expertos en arte o críticos estudian el tiempo en la literatura, música o pintura, les interesa la forma en que queda fijado. Cuando analizan las obras de Marcel Proust (“En busca del tiempo perdido”) se dan cuenta que el personaje fija recuerdos de sus propias experiencias.

*Lo pasado es mucho más real, más estable y duradero que lo presente. Lo presente se nos escapa y desaparece (como el agua entre las manos).

*Para el hombre e l tiempo no puede desaparecer sin dejar huellas.

*Las causas y efectos de pasar de un estado a otro es también una forma de existencia del tiempo. Cuando nos enfrentamos a una consecuencia retornamos  alas causas, es decir damos la vuelta al tiempo con ayuda de la conciencia (el hombre retorna a su pasado).

*Los japoneses denominan “Saba” a las huellas del envejecimiento como el color oscuro de un árbol viejo o una piedra desgastada por el viento. “Saba” es el encanto de lo viejo, el sello, el paso del tiempo.

*Marcel Proust en sus obras hablaba de dar vida a objetos antiguos, objetos  que no habían sido utilizados durante mucho tiempo, los cuales eran adecuados para contarnos la vida de épocas pasadas.

*En este proceso de “dar vida” el cine juega un papel muy especial.

*El tiempo se convierte en un medio del cine.

*La dirección de una película empieza cuando surge la imagen de la película ante la visión interior de aquella persona que la realizará la película y recibe el nombre de Director.

*Director:  

.se lo llama así si tiene su boceto con claridad dentro de sí y luego es capaz, trabajando con el equipo, de realizarla con exactitud.

.se convierte en artista cuando en su idea o su película surge una estructura propia e inconfundible, un sistema de pensamiento propio en relación con el mundo real.

.comunica al público sus más profundos sueños.

. sólo si presenta su propia visión de las cosas y se convierte en una especie de filósofo, el director en un artista y la cinematografía un arte.

*En qué se diferencian y que tienen en común la literatura y el cine?  Tienen en común la libertad con la que los artistas pueden tratar y organizar el material que la realidad les ofrece. La diferencia está entre un modo de representación verbal y otro visual. La diferencia fundamental es que la literatura describe el mundo con ayuda del lenguaje, mientras que el cine no tiene lenguaje. Es algo inmediato, que se nos pone ante los ojos.

*Cada director puede plantear, responder y comprender la cuestión de lo específico del cine a su manera. Pero sin conocer las leyes del propio arte nadie puede ser creativo.

En “La llegada del tren”:

*Por primera vez en la historia del arte y la cultura los hermanos Lumiere habían encontrado la forma de fijar de modo inmediato el tiempo, pudiendo reproducirlo todas las veces que querían. A través de la matriz que el hombre consiguió pudieron fijar el tiempo y conservarlo en latas metálicas.

*La gente va al cine buscando experiencia de la vida, porque el cine amplía y profundiza la experiencia del hombre mucho más que cualquier otro arte.

*El cine se trata del tiempo en forma de un hecho.

*El caso ideal de un trabajo fílmico para Tarkovsky es que un autor de una película vaya tomando en mucho metros de material fílmico cada segundo, cada día, cada año la vida de un hombre, desde su nacimiento hasta su muerte (sin interrupciones). Con ayuda de los cortes se haría una película que duraría más o menos una hora y media. Luego que todo el material caiga en manos de otros directores y así cada uno puede hacer su propia película, muy diferente a los demás.

*Lo ideal es tener mucho material para así al relacionar y relacionar entre sí determinados fragmentos, se conozca exactamente la sucesión de los hechos. Esto y nada más que esto es el cine.

*El cine tiene que ser libre en la elección de los hechos y en el modo de relación entre sí.

*Se puede hacer una película también en la que no haya un personaje central, clave sino todo se capte desde la perspectiva de una mirada humana, subjetiva de la vida.

*El cine surge de la observación inmediata de la vida.

*El observador requiere una relación, para la película solo recogeremos y fijaremos aquello que sirve como parte de la futura imagen cinematográfica.

*El montaje realizado con pantalla partida para mostrar acciones en simultáneo es un error. El hombre no puede observar al mismo tiempo varias acciones.

*En cine, puesta en escena significa el orden y el movimiento de objetos seleccionados sobre la superficie de una toma.

*Cuando un director quiere una puesta en escena, tiene que partir del estado psíquico de sus protagonistas, del ambiente interno, transformando todo eso en la verdad de un hecho único.

Propuesta de direccion

Eisenstein

Filmografía:

• El diario de Glúmov (1923)
• La Huelga (1924)
• El acorazado Potemkin (1925)
• Octubre (1928)
• La línea general (1929)
• ¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932)
• El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937)
• Aleksandr Nevski (1938)
• Iván el Terrible (1943–1945)
• Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958)
• Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
• Romance sentimental (Francia, 1930)
• Trueno sobre México (1933)
• Eisenstein en México (1933)
• Día de muerte (1933)
• Tiempo en el sol (1940)

Banda sonora del corto abstracto

REMAKE

Nouvelle Vague

Nouvelle vague o Nueva Ola es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la decada de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine frances imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración no sólo la libertad de expresión, sino también a la libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista "Cahiers du cinema" (Cuadernos de Cine)  deciden incurrir en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de Truffaut, Godard, Rohmer y sobre todos ellos su precursor Melville.

La Nouvelle Vague se caracterizó por:

Forjar su estilo a través de la crítica en la revista "Cahiers du cinema" . Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.

Defender el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, ect.

La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje.

Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeña burguesa de la posguerra.

Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

Las innovaciones técnicas y los bajos costos de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente. Las cámaras ligeras de 8mm. y 16 mm. (formatos no profesionales) y las nuevas emulsiones más sensibles hicieron posible que se rodara sin iluminación artificial, cámara al hombro y en locaciones naturales, es decir, sin necesidad de montar grandes escenografías en monumentales estudios cinematográficos. Ello conduce a un estilo de reportaje, con tomas largas, forma despreocupada y una duración de rodaje que se reduce a unas pocas semanas. Aportan un nuevo uso de la fotografía, en blanco y negro, que se sirve en interiores de una iluminación indirecta, rebotada, para generar así un ambiente realista, lo que permite rodar con ligereza y que la cámara siga a los actores de forma más natural. Su técnica es casi artesanal, con un equipo técnico reducido, sin estrellas importantes y con una interpretación improvisada por actores jóvenes. En suma, es un cine realista, bajo la influencia del Neorrealismo Italiano y del lenguaje televisivo, que trata sobre temas morales aunque no hurgue en las causas del comportamiento de los personajes.
En definitiva, la contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico al redescubrir la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. Su aportación sirve para reafirmar la noción de cine “de autor” y para introducir la inventiva en los métodos de trabajo, sacando provecho de las novedades técnicas, como cámaras ligeras, emulsiones hipersensibles, lámparas sobrevoltadas, iluminación por reflexión, y afinando y enriqueciendo las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico.

Correccion de color

La corrección de color ha estado reservada durante mucho tiempo a especialistas con plataformas y sistemas de color muy avanzados, complejos y extremadamente caros. Ahora, sin embargo, la edición de vídeo, incluso en calidad HD, está al alcance de prácticamente cualquiera y la mayoría de, por no decir todos, los programas de edición de vídeo del mercado ofrecen alguna herramienta de corrección de color de modo que, sin salir de nuestro programa de edición habitual, podremos hacer algunas correcciones, aunque sean muy básicas.

Por mencionar algunos de los programas de edición más usados por amateurs y al alcance de prácticamente todo el mundo, podremos manipular el color con el Final Cut Pro, Adobe Premiere, Sony Vega entre otros. Tambien se utilizan programas profesionales como el Scratch y el DaVinci

Las herramientas que ofrecen estas aplicaciones son, como decía, bastante flexibles. Sin embargo, y como siempre sucede, hay una serie de empresas que han desarrollado sus propios software de gestión de color que puede integrarse dentro de algunas de las aplicaciones mencionadas o bien funcionan de modo independiente. Estos plugins o añadidos externos suelen ofrecer funciones de mayor potencia que las incluídas en la aplicación anfitriona o bien pretenden simplificar o facilitar el proceso de corrección.
El proceso de corrección de color tiene tres pasos:
1. Correcciones Primarias.
2. Correcciones Secundarias.
3. Filtros y efectos para lograr un look determinado

1 Corecciones primarias

Salvo que durante la grabación se mida correctamente la luz y se ajuste la cámara con precisión, es frecuente que cuando se usan los parámetros automáticos de la cámara encontremos en las imágenes grabadas una exposición incorrecta (imágenes más oscuras o más claras de lo que deberían) y/o dominantes de color, es decir, una tonalidad que "baña" toda la imagen dándole un aspecto "amarillento", "verdoso", "azulado", etc.

La corrección primaria se encarga de compensar estos fallos básicos y ajustar las imágenes de tal modo que se acerquen lo más posible a la "neutralidad" o, al menos, al aspecto que se supone deberían haber tenido esas imágenes. Este primer paso es esencial vayamos a realizar o no manipulaciones de colores posteriores. Es decir. Imaginemos que queremos darle a nuestro vídeo un aspecto tecnológico. En ese caso seguramente queremos que haya una dominante de colores grises y algunos tipos de azules asociados, generalmente, a la tecnología. Si no neutralizamos primero en la grabación original cualquiera que sea la dominante, luego será muy complicado manipular el vídeo para lograr con precisión el tono deseado. La corrección de color es un proceso muy dinámico y cualquier cambio en una gama de colores afecta irremediablemente a las demás. Por ello es fácil tener una sensación de falta de control y sentirse muy perdido al principio si no se cuenta con una buena corrección inicial.


2 Correcciones secundarias

Las correcciones secundarias, por su parte, afectan únicamente a determinadas zonas de la imagen. Casos típicos serían lograr más luminosidad en las caras de los personajes, darle más intensidad al azul del cielo, ajustar tonos de piel, acentuar o aclarar sombras, etc. Para este tipo de trabajo nuestros mejores aliados serán las máscaras, la herramienta de selección de colores y los trackers.

Las máscaras nos permitirán seleccionar ciertas zonas de la imagen y aplicar los cambios únicamente en esas zonas. Pueden ser máscaras geométricas sencillas, como rectángulos o elipses, o complejas máscaras personalizadas con la forma que queramos. Por la propia idiosincrasia del vídeo, lo habitual será que debamos animar las máscaras mediante keyframes - cuadros de referencia - para que siempre se apliquen a la zona del vídeo que necesitamos aunque esa zona se desplace o mueva en pantalla. Para estos casos contar con un buen tracker en nuestro programa de corrección facilita esta tarea de animación de máscaras. La función del tracker es localizar un punto determinado en la imagen y generar de forma automática keyframes para que sigan a ese punto. Un ejemplo: si queremos darle más luminosidad a la cara de un personaje y éste se mueve por la escena deberemos seleccionar algún punto de la su cara como la boca, nariz u ojos para que el programa siga la posición de ese punto en todo momento. Luego hacemos que la máscara siga los puntos de referencia registrados y, de ese modo, la máscara se moverá de forma automática con ese personaje. No todos los programas de edición ofrecen esta herramienta y además, únicamente los de más alta gama ofrecen un tracker con una suficiente precisión como para poder confiar en ellos de forma habitual. En la mayoría de programas encontraremos que, a menudo, resulta más rápido generar keygrames a mano que con el tracker ya que únicamente funcionarán correctamente en situaciones de buena iluminación y alto contraste.

Otra alternativa es usar la clásica herramienta del cuentagotas para seleccionar una gama concreta de colores. El caso típico es seleccionar el azul del cielo e intensificarlo. O el famoso anuncio de Special K de Kelloggs, en el que todo lo rojo tiene mucha más intensidad que el resto de las imágenes. Éste efecto se logra, simplemente, seleccionando el tono rojo y aumentado su saturación y/o contraste mientras que, paralelamente se reduce el de los demás elementos.

                                                                Special K - Kelloggs

                                      

3 Filtros y efectos para lograr un look determinado

Las correcciones primarias y secundarias son, por lo general, bastante desagradecidas. Es decir, únicamente sirven para corregir errores y matizar, sutilmente, las imágenes. Es muy frecuente que tras pasar un buen número de horas trabajando en correcciones primarias y secundarias el cliente, o quien vea el resultado, pregunte "¿Y qué es lo que has hecho? Yo no noto nada..."  Las diferencias únicamente son notables al comparar las imágenes iniciales con el resultado final pero el resultado final, por sí sólo, suele dejar al espectador bastante indiferente. Puede que nuestro producto no sea todavía de excelente calidad pero, al menos, ya no es mediocre o de baja calidad.

Si además de "bien" queremos que nuestro vídeo se destaque, habrá que aplicarle un aspecto, comúnmente llamado "look", que diferencie nuestras imágenes claramente de las de cualquier videocámara doméstica. Ahora bien, con el retoque de color sucede lo mismo que con la banda sonora. Son una ayuda para que el espectador se sumerja en la historia que contamos. El espectador debe notar que nuestras imágenes lo atrapan, que se siente cómodo, pero no debería saber realmente por qué. El trabajo del colorista, por tanto, debe pasar tan desapercibido como sea posible y salvo en casos muy justificados la discreción será la mejor arma.

Aplicar looks específicos es sin duda, la parte más complicada del retoque de color. En primer lugar porque se necesitan tener muy claras las ideas sobre el aspecto deseado; y en segundo lugar porque no siempre resulta sencillo alcanzar ese resultado. El color es como ya he comentado, muy dinámico y los cambios son sumativos. Hace falta experimentar mucho y se aprende poco a poco. Es por ello que casi todas las aplicaciones dedicadas específicamente al retoque de color ofrecen una colección más o menos extensa de looks predefinidos que pueden ayudarnos en nuestro comienzos, por un lado, a conseguir esos aspectos especiales con facilidad de primeras y, por otro, son un excelente punto de partida para aprender, puesto que en lugar de partir de cero tendremos ya unos puntos de referencia y podremos fijarnos en los parámetros usados para aprender a lograr los resultados deseados.

ACTUALIZADO

Sistema de montaje no lineal y lineal

El sistema de montaje no lineal propicia el montaje de imágenes y su manipulación como archivos, a través de programas informáticos. Así, permite insertar segmentos, eliminarlos, y cambiarlos de posición.
Previo al comienzo de este tipo de edición, los segmentos originales de video se transfieren digitalmente a discos duros de una computadora "digitalización". Una vez convertidos en información digital, el sistema los puede ubicar y presentar en cualquier orden, instantáneamente.
Durante la edición no lineal puede agregarse una cantidad considerable de efectos especiales, títulos, corrección de color por escena, recorte, etc. También puede mejorarse el sonido utilizando filtros y efectos sonoros diversos. En algunos sistemas es posible hasta comprimir y expandir la longitud del audio y el video.
La mayoría de los editores no lineales utilizan una o más líneas de tiempo (time line) para representar la secuencia de edición: con el mouse (dispositivo de control manual) se seleccionan y mueven los distintos elementos de audio y video en la línea de tiempo.
Estos sistemas exigen el continuo estudio y aplicación experimental de sus herramientas, con el objetivo de desarrollar habilidades que resultan válidas en el manejo de programas similares. Existen varios software utilizados para la edición no lineal como Adobe premiere pro, Final cut pro, Avid, Nero Vision, Movie Maker, etc. Consiste en manipular a través de un programa de edición de video, los distintos medios como archivos de video, fotos, gráficos o animaciones, y donde también es posible manipular audio aunque generalmente de forma muy simple. Una vez creado nuestro montaje, también llamado proyecto o composición, se lleva a cabo la renderización con la cual se obtiene el video final,a esta acción también se le llama "grabar", "exportar", "guardar" o "crear" video. Generalmente se renderiza como un archivo de video con un formato que puede ser avi, mp4, mpeg o wmv por mencionar algunos de los más populares y que se han estandarizado últimamente.

El montaje lineal puede ser analógica o digital, se caracteriza por su carácter secuencial, el montaje de los planos es consecutivo según la lógica de la escena y la dirección de la historia narrada. Consiste en la realización de una cinta máster a partir de una serie de imágenes obtenidas de diversas fuentes. Posteriormente, esta cinta podrá ser emitida, en medios de transmisión como: HDTV, TV digital bajo demanda, TV tradicional,etc. En este tipo de montaje se producen fundidos, cortes, efectos especiales entre imágenes grabadas con anterioridad u obtenidas en el momento de la edición. Para lograr lo anterior, se emplean dos magnetoscopios: un lector o reproductor "player" y un grabador "recorder". Consiste en grabar en el recorder la señal reproducida en el player. En el magnetoscopio reproductor se inserta la cinta con las imágenes grabadas, mientras que en el grabador se crea la cinta máster (primera cinta de montaje). Antes de comenzar, el material debe organizarse muy bien para obtener un resultado bien estructurado.
En el proceso, los segmentos originales pueden ser acortados o reacomodados en cualquier orden, se eliminan las tomas que no sirven y se pueden agregar efectos de audio y video. Dentro del sistema de edición lineal se halla el método que referencia las entradas y salidas a la cuenta de los pulsos de control track, el cual se denomina “edición por control track”. Este método tiene dos importantes limitaciones, exige que el equipo haga un conteo de millares de pulsos, algo muy difícil por razones mecánicas.
Durante la edición, se mueven constantemente las cintas hacia adelante y hacia atrás, a diferentes velocidades, mientras se marcan los puntos de entrada y salida. Si el equipo pierde la cuenta, apenas por una fracción de segundo, el punto de edición se correrá por uno o más cuadros y dañará lo que hubiese sido una edición perfecta. Si el contador se congela por un instante, significa que el equipo ha perdido la cuenta de los pulsos de control. En ese caso, los problemas se reducen a grabaciones imperfectas o a un control track incorrecto. La segunda limitación se define como la imposibilidad de reproducir automáticamente alguno de los fragmentos seleccionados una vez que el equipo se apaga, puesto que el control track se mantiene en la memoria volátil del editor.
El montaje lineal no permite la variedad de opciones que un sistema no lineal brinda al editor.
Este tipo de edición de vídeo ha ido perdiendo preponderancia en la industria, siendo desplazado por la edición no lineal, tanto por sus ventajas en la comodidad y manipulación de las imágenes como por los menores costes. 

Escena elegida para realizar Remake: interrogatorio policial

"Vivre sa vie" Jean Luc Godard

Esta es una escena clave para la película, ya que marca un antes y un después en la vida de la protagonista. En estos 3 minutos se muestra la decadencia de Nana. Ella cuenta una situación en la calle  en la que se ve envuelta en desesperación y piensa en robarle dinero a una señora. 

En los planos se la ve a contraluz con la cara a penas iluminada por la luz difusa que entra por la ventana que se encuentra detrás de ella. También habla con la cabeza para abajo la mayoría del tiempo, esto nos refleja que el personaje de Nana se encuentra en un estado de vergüenza y angustia total. Luego de este interrogatorio policial Nana desesperada por la situación en la que se encuentra de estar sin casa y sin plata comienza a experimentar la prostitución.
Como directora voy a ser lo mas fiel posible a la puesta en escena, mi DF utilizará iluminación escasa tal como se ve en el video para mostrar el estado en el que se encuentra la protagonista al dar este testimonio. Se utilizará una luz en especial para marcar el brillo en sus ojos y resaltar las lagrimas que estan a punto de caer en su rostro.
Con respecto al arte se resperatá la utileria y el vestuario, incluida la imagen que se encuentra detrás del policia.
Para conformar la banda sonora voy a utilizar la misma musica del final de la escena y como folley voy a recrear el sonido de la maquina de escribir.
El espacio pictorico de la escena sería una sala de la comisaria donde Nana es interrogada.
El espacio arquitectonico no se ve mas que una ventana y un poster que nos muestra que esto se desarrolla en una comisaria.
El espacio fílmico se crea en la confesión de ella, que nunca vemos esa situacion pero podemos imaginarla con los detalles que cuenta Nana.

Director: Jean Luc Godard

Hijo de un médico y de una hija de banqueros suizos, vivió sus primeros años en este país, para trasladarse a París durante su adolescencia, donde va a estudiar etnología en la Sorbona. En esta época comienza a descubrir su gran pasión por el cine, frecuenta de continuo la Cinemateca Francesa y los cineclub parisinos. En 1950 empezó a trabajar como crítico cinematográfico en varias revistas, entre ellas Cahiers du Cinéma, en las que utilizaba el seudónimo de Hans Lucas. En esta publicación coincidiría con la plana mayor de la nouvelle vague, es decir, con François Truffaut, Éric Rohmer, Claude Chabrol y Jacques Rivette. 

Al morir su madre en 1954, se trasladó de nuevo a Suiza donde trabajó como albañil, hecho que sirvió como argumento a su primer documental, Operation Béton. Al regresar a París, mientras seguía trabajando en Cahiers du Cinéma, rodó los cortometrajes Une femme coquette (1955) yTous les garçons s'apellent Patrick (1957). 

En el verano de 1959 comenzó el rodaje de su primer largometraje, À bout de souffle sobre un guion de Truffaut y con la colaboración de Claude Chabrol. La película, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg supuso una revolución en la manera de filmar al utilizar técnicas hasta entonces poco ortodoxas, como rodar cámara en mano, utilizar el documental o saltar de un plano a otro. 

En 1960 dirigió su segundo largo, El soldadito, que estuvo prohibido en Francia durante tres años. Este film estuvo protagonizado por Anna Karina, actriz con quien se casó un año más tarde y que protagonizaría varios de sus proyectos posteriores. 

Durante los siguientes años, Godard colaboró con otros integrantes de la Nouvelle vague como actor, co-director o productor, a la vez que dirigió películas enormemente influyentes que fueron aclamadas por la crítica cinematográfica como Banda aparte o Pierrot el loco. Algunos de los premios que cosechó en esta época fueron el premio especial del jurado y el de la crítica de la Mostra de Venecia por Vivir su vida, su segundo Oso de Oro por Alphaville, y un nuevo premio especial del jurado en la Mostra por La China. 

Director de fotografia: Raoul Coutard
Raoul Coutard nacio el 16 de septiembre de 1924. Èl es un cineasta francés, asociado con el período de la Nouvelle Vague. Trabajò en  muchas peliculas con el director Jean-Luc Godard, tambien François Truffaut y Jacques Demy, un contemporáneo asociado con el movimiento.
Coutard realizò más de 75 películas durante una carrera que duró casi medio siglo.



ACTUALIZADO

Poética de Milos Forman

Milos Forman nació en el año 1932 en Cáslav. Era el menor de los tres hijos de un matrimonio de maestros. A los ocho años se quedó sin su padre que fue detenido durante la ocupación nazi, acusado de ser miembro de la resistencia. Poco después, fue arrestada su madre y asesinada en el campo de concentración de Auschwitz. Esto marcó su vida  y su visión del mundo, en el que los más débiles sufren la opresión de un poder muy grande (político o social). Sus personajes principales estarán atravezados por esto, haciendo de esa característica un elemento de su poética como director.

Luego de quedar huérfano, vivió en diferente lugares, hasta que terminada la guerra, estudió en un colegio muy prestigioso donde comenzó su formación intelectual. Más tarde, se inscribió en un concurso de la nueva Televisión Checoslovaca, que estaba buscando un presentador para un programa dedicado al cine. Este fue su primer acercamiento al mundo cinematográfico.

En los sesenta, luego de comprarse una cámara comenzó junto a unos amigos a rodar su primer documental sobre un teatro, donde nació la trama para su primer film, Audition. A partir de aquí comienza su carrera como director, la que transcurre entre Checoslovaquia y Estados Unidos, ambos países serán las locaciones de sus películas.

Aparte de director, Milos Forman es actor y guionista y fue reconocido por dos de sus películas, Amadeus y Atrapado sin salida con numerosos premios Oscar, incluyendo el de mejor director en ambas. Otras de sus obras también fueron reconocidas con premios internacionales de cine (Larry Flint: el nombre del escándalo).

Muchas de las películas de su filmografía son adaptaciones de libros y biografías, y si hay algo en lo que coinciden es en que todas están contadas a través de los ojos del personaje que se encuentra mas afectado ya sea sentimentalmente o psicológicamente con problemas de conducta y rebelión contra la sociedad (como en Atrapado sin salida, Amadeus, Los amores de una rubia). Este última es uno de los elementos de la poética de Milos Forman, los personajes principales atraviezan conflictos contra fuerzas muy grandes, como ser por ejemplo "MacMurphy" de Atrapado sin salida, contra la ley que lo obliga a quedarse en el hospital, que lo oprime. O "Andula" en Los amores de una rubia contra la madre del chico que representa la ley, ejerciendo su poder sobre su hijo y todos los que viven en su casa.

Otro elemento que lo caracteriza es el uso dramático de la cámara, la que en muchos casos se encuentra en la posición de espectador, casi como si estuviesemos espiando la escena; por otro lado utiliza constantemente movimientos de cámara lentos y fluidos con travellings en grúa, sobre todo en momentos en los que el personaje principal se encuentra en una situación complicada, y generan una sensación de ir con lo que esta pasando, nos acerca al rostro del personaje para ver su reacción, o nos aleja de él cuando deja de ser importante.

Otra de las características mas habituales que utiliza Forman es que suele tener fondos desenfocados en la mayoría de sus planos.

                        

Filmografía:

1963.- Concurso (Konkurs)1963.- Kdyby ty muziky nebyly
1963.- Cerny Petr (Pedro el negro)
1965.- Los amores de una rubia (Lasky jedné plavovlásky)
1967.- ¡Al fuego bomberos! (Hori, ma panenko)
1971.- Juventud sin esperanza (Taking Off)
1973.- Visions of Eight (documental Olimpiadas de Munich)
1975.- Atrapado sin salida (One Flew Over
the Cuckoo's Nest)
1979.- Hair (Hair)
1981.- Ragtime (Ragtime)
1984.- Amadeus (Amadeus)
1989.- Valmont
1996.- El escándalo de Larry Flynt
1999.- El hombre en la luna (Man on the Moon)
2000.- Keeping the Faith                                               2006.- Los fantasmas de Goya                                         2009.- Un paseo bien pagado

Poética de Tim Burton

Timothy William Burton, nacido en Burbank, California el 25 de agosto de 1958 es director, productor y diseñador estaunidense. Es un gran artista que ha realizado cortometrajes y largometrajes, (animados y no) a lo largo de su carrera cinematográfica; y que también se expresa a través de las pinturas y poesias.
Al final del análisis de su poética cinematográfica, escribiré un listado de los distintos proyectos realizados, desde su primer cortometraje "Vincent" hasta su último largometraje estrenado "Frankenweenie".
El autor tiene un estilo y poética muy particulares, que hacen que sus obras puedan reconocerse casi al instante. De todas las realizaciones en las que participó, existen algunas que son lás más fieles a su estilo. Estas son: "El extraño mundo de Jack" (como guionista), "Eduardo manos de tijera", además de su corto "Vincent". Este último además de tener todas las características burtianas, invoca a la niñez del director.
Los elementos más importantes que construyen la poética son los personajes y los escenarios. Estos dos elementos estan muy relacionados con el exprecionismo aleman y el surrealismo. Esto se ve reflejado en muchas de sus obras, en las que cuestiones estéticas como las luces y sombras, o escenografías están altamente marcadas por la estética del expresionismo. Investigando la historia del autor, las películas que toma como referentes de este movimiento son " El gabinete del Dr. Caligari" y "Nosferatu", ambas influenciaron al director a lo largo de su carrera.
Los escenarios de Burton estan recreados con figuras asimétricas, generalmente con escaleras anchas, antiguas, largas que se repiten en varias obras, tambien aparecen puentes con las mismas cualidades, para generar una separación entre los distintos mundos de sus universos diegéticos, como por ejemplo el puente que separa el mundo de los vivos de los muertos en "El cadáver de la novia". Utiliza sombras, colores pasteles y tonalidades oscuras tanto en la escenografia como en el vestuario, tambien utiliza mucho el blanco y negro para dar un sentido gótico, tenebroso, misterioso, terrorífico.
En la composición de los cuadros utiliza lineas que generan puntos de fuga en la imagen para dar la sensación de que son más espaciosos. Utiliza imágenes oníricas que nos transportan a un mundo de irrealidad, de fantasía, dicho de paso que este es el género más desarrollado por el autor, la fantasía. 
En las películas animadas estas catactetisticas están mas remarcadas ya que a través de esta forma Tim Burton puede dar rienda suelta a su personalidad y creatividad, de esta manera crea escenarios y personajes totalmente irreales.
Por otro lado uno de los elementos más importantes en su poética son los personajes que construye. Estos estan siempre muy desarrollados sentimentalmente, son no aceptados socialmente ya que presentan caracteristicas que van en contra de lo común, dada esta caracteristica son muy solitarios y están en una búsqueda de la aceptación y el amor.
Las características físicas de los personajes son llevadas al extremo, super altos y flacos, bajos y gordos, con la cara alargada, ojos undidos, grandes ojeras, pelos despeinados y de color, todos ellos contribuyen a construir el universo de Tim Burton. Los personajes son sacados de la realidad para ser llevados a un mundo de fantasía.
Las temáticas principales con las que ha trabajado Burton son principalmente la fantasía, la muerte y oscuridad. En todas sus obras el entorno se usa de forma dramática.

 Algunas imágenes sobre lo escrito:
Caracteristicas de personajes, colores, figuras expresionistas, escenografias, vestuarios, etc.

Algunas pinturas y poemas que reflejan la poética de Tim Burton:

 Filmografía de Tim Burton:

- Vincent (1982)
-Frankenweenie (1984)
-La gran aventura de Pee-Wee (1985)
-Aladino y su lámpara maravillosa (1986)
-Beetlejuice (1988)
-Batman (1989)
-Eduardo manosdetijera (1990)
-Batman vuelve (1992)
-El extraño mundo de Jack (1993)
-Ed Wood (1994)
-Mars attacks (1996)
-El jinete sin cabeza (1999)
-El planeta de los simios (2001)
-Big Fish (2003)
-Charlie y la fábrica de chocolate (2005)
-La novia cadáver (2005)
-Sweeney Todd (2007)
-Alicia en el país de las maravillas (2010)
-Sombras tenebrosas (2012)
-Frankenweenie 3D (2012)