Trailer "Requiem por un sueño"

"Esculpir en el tiempo" Tarkovsky. Cap."El tiempo sellado"

*El tiempo y el recuerdo están abiertos el uno para el otro, son dos caras de una misma moneda. Fura del tiempo no puede haber recuerdos.

*El recuerdo es un concepto interior. Una persona que pierde la memoria no tiene recuerdos, cae fuera del tiempo y pierde su capacidad de quedar vinculado al mundo visible (está condenado a la locura).

*El hombre está capacitado para el recuerdo lo que despierta en él, el sentimiento de su propia incapacidad. El recuerdo nos hace vulnerables, capaces de sufrir.

*Los expertos en arte o críticos estudian el tiempo en la literatura, música o pintura, les interesa la forma en que queda fijado. Cuando analizan las obras de Marcel Proust (“En busca del tiempo perdido”) se dan cuenta que el personaje fija recuerdos de sus propias experiencias.

*Lo pasado es mucho más real, más estable y duradero que lo presente. Lo presente se nos escapa y desaparece (como el agua entre las manos).

*Para el hombre e l tiempo no puede desaparecer sin dejar huellas.

*Las causas y efectos de pasar de un estado a otro es también una forma de existencia del tiempo. Cuando nos enfrentamos a una consecuencia retornamos  alas causas, es decir damos la vuelta al tiempo con ayuda de la conciencia (el hombre retorna a su pasado).

*Los japoneses denominan “Saba” a las huellas del envejecimiento como el color oscuro de un árbol viejo o una piedra desgastada por el viento. “Saba” es el encanto de lo viejo, el sello, el paso del tiempo.

*Marcel Proust en sus obras hablaba de dar vida a objetos antiguos, objetos  que no habían sido utilizados durante mucho tiempo, los cuales eran adecuados para contarnos la vida de épocas pasadas.

*En este proceso de “dar vida” el cine juega un papel muy especial.

*El tiempo se convierte en un medio del cine.

*La dirección de una película empieza cuando surge la imagen de la película ante la visión interior de aquella persona que la realizará la película y recibe el nombre de Director.

*Director:  

.se lo llama así si tiene su boceto con claridad dentro de sí y luego es capaz, trabajando con el equipo, de realizarla con exactitud.

.se convierte en artista cuando en su idea o su película surge una estructura propia e inconfundible, un sistema de pensamiento propio en relación con el mundo real.

.comunica al público sus más profundos sueños.

. sólo si presenta su propia visión de las cosas y se convierte en una especie de filósofo, el director en un artista y la cinematografía un arte.

*En qué se diferencian y que tienen en común la literatura y el cine?  Tienen en común la libertad con la que los artistas pueden tratar y organizar el material que la realidad les ofrece. La diferencia está entre un modo de representación verbal y otro visual. La diferencia fundamental es que la literatura describe el mundo con ayuda del lenguaje, mientras que el cine no tiene lenguaje. Es algo inmediato, que se nos pone ante los ojos.

*Cada director puede plantear, responder y comprender la cuestión de lo específico del cine a su manera. Pero sin conocer las leyes del propio arte nadie puede ser creativo.

En “La llegada del tren”:

*Por primera vez en la historia del arte y la cultura los hermanos Lumiere habían encontrado la forma de fijar de modo inmediato el tiempo, pudiendo reproducirlo todas las veces que querían. A través de la matriz que el hombre consiguió pudieron fijar el tiempo y conservarlo en latas metálicas.

*La gente va al cine buscando experiencia de la vida, porque el cine amplía y profundiza la experiencia del hombre mucho más que cualquier otro arte.

*El cine se trata del tiempo en forma de un hecho.

*El caso ideal de un trabajo fílmico para Tarkovsky es que un autor de una película vaya tomando en mucho metros de material fílmico cada segundo, cada día, cada año la vida de un hombre, desde su nacimiento hasta su muerte (sin interrupciones). Con ayuda de los cortes se haría una película que duraría más o menos una hora y media. Luego que todo el material caiga en manos de otros directores y así cada uno puede hacer su propia película, muy diferente a los demás.

*Lo ideal es tener mucho material para así al relacionar y relacionar entre sí determinados fragmentos, se conozca exactamente la sucesión de los hechos. Esto y nada más que esto es el cine.

*El cine tiene que ser libre en la elección de los hechos y en el modo de relación entre sí.

*Se puede hacer una película también en la que no haya un personaje central, clave sino todo se capte desde la perspectiva de una mirada humana, subjetiva de la vida.

*El cine surge de la observación inmediata de la vida.

*El observador requiere una relación, para la película solo recogeremos y fijaremos aquello que sirve como parte de la futura imagen cinematográfica.

*El montaje realizado con pantalla partida para mostrar acciones en simultáneo es un error. El hombre no puede observar al mismo tiempo varias acciones.

*En cine, puesta en escena significa el orden y el movimiento de objetos seleccionados sobre la superficie de una toma.

*Cuando un director quiere una puesta en escena, tiene que partir del estado psíquico de sus protagonistas, del ambiente interno, transformando todo eso en la verdad de un hecho único.

Propuesta de direccion

Eisenstein

Filmografía:

• El diario de Glúmov (1923)
• La Huelga (1924)
• El acorazado Potemkin (1925)
• Octubre (1928)
• La línea general (1929)
• ¡Que viva México! (inacabada) (1930–1932)
• El prado de Bezhin (inacabada) (1935–1937)
• Aleksandr Nevski (1938)
• Iván el Terrible (1943–1945)
• Iván el Terrible, segunda parte: la conjura de los Boyardos (1948–1958)
• Iván el Terrible, tercera parte (inacabada)
• Romance sentimental (Francia, 1930)
• Trueno sobre México (1933)
• Eisenstein en México (1933)
• Día de muerte (1933)
• Tiempo en el sol (1940)

Banda sonora del corto abstracto

REMAKE

Nouvelle Vague

Nouvelle vague o Nueva Ola es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la decada de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine frances imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración no sólo la libertad de expresión, sino también a la libertad técnica en el campo de la producción fílmica. Nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista "Cahiers du cinema" (Cuadernos de Cine)  deciden incurrir en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de Truffaut, Godard, Rohmer y sobre todos ellos su precursor Melville.

La Nouvelle Vague se caracterizó por:

Forjar su estilo a través de la crítica en la revista "Cahiers du cinema" . Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.

Defender el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, ect.

La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje.

Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeña burguesa de la posguerra.

Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

Las innovaciones técnicas y los bajos costos de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente. Las cámaras ligeras de 8mm. y 16 mm. (formatos no profesionales) y las nuevas emulsiones más sensibles hicieron posible que se rodara sin iluminación artificial, cámara al hombro y en locaciones naturales, es decir, sin necesidad de montar grandes escenografías en monumentales estudios cinematográficos. Ello conduce a un estilo de reportaje, con tomas largas, forma despreocupada y una duración de rodaje que se reduce a unas pocas semanas. Aportan un nuevo uso de la fotografía, en blanco y negro, que se sirve en interiores de una iluminación indirecta, rebotada, para generar así un ambiente realista, lo que permite rodar con ligereza y que la cámara siga a los actores de forma más natural. Su técnica es casi artesanal, con un equipo técnico reducido, sin estrellas importantes y con una interpretación improvisada por actores jóvenes. En suma, es un cine realista, bajo la influencia del Neorrealismo Italiano y del lenguaje televisivo, que trata sobre temas morales aunque no hurgue en las causas del comportamiento de los personajes.
En definitiva, la contribución de la nouvelle vague supone una enérgica renovación del lenguaje cinematográfico al redescubrir la capacidad de la “mirada” de la cámara, el poder creador del montaje y otros recursos caídos en desuso. Su aportación sirve para reafirmar la noción de cine “de autor” y para introducir la inventiva en los métodos de trabajo, sacando provecho de las novedades técnicas, como cámaras ligeras, emulsiones hipersensibles, lámparas sobrevoltadas, iluminación por reflexión, y afinando y enriqueciendo las posibilidades expresivas del lenguaje cinematográfico.